Crajes

Carla y Jessica representan el mundo artístico mediante la experimentación de la figura de la mujer. El concepto ‘mujer’ es muy amplio y conectar con todas, difícil. CRAJES no sólo es algo bonito, van mucho más allá creando el arte desde el sentimiento más profundo, así, consiguen turbar al espectador y que quede descolocado al ver cada una de las piezas. Clara y Jessica son opuestas pero, a la vez, muy similares.  Su obra es de todo menos estática, nos envuelve y nos hace sentir cualquier cosa excepto indiferencia.

Los elementos de iconografía religiosa y los personajes de la cultura pop dan continuidad a su obra y no están puestos al azar, para CRAJES representan una base sobre la cuál dialogar y crear.

SUM, la pieza creada para representar la imagen de WeArt Festival 2014 refleja el ego a través del autoconsumo, “es decir, como un individuo se consume en esencia para llegar a ser un muñeco de trapo dentro de un sistema lleno de muñecos rotos donde todo ha pasado a ser menospreciado”.

¿Cómo se conocen Carla y Jessica? ¿Cómo nace CRAJES?

Crajes se ha ido haciendo y sigue creciendo con nosotras.

Nosotras no somos nada iguales de carácter pero tenemos una manera de ver la vida y de relacionarnos con los demás bastante similar. Nos cuesta un poco socializar y decir lo políticamente correcto en cada situación, eso ha hecho que nos volvamos más cerradas.

Entre nosotras, desde el minuto uno nos hemos sentido libres y hemos conectado personal y creativamente, y creemos que eso dota a nuestro trabajo de una fuerza que no tendría a nivel individual.

Nos gusta mucho el debate, analizar las cosas y buscarle las diferentes posibilidades. Así es que desde el principio siempre estábamos debatiendo, creando, escribiendo ideas, dibujando…

Nuestro primer trabajo juntas fue el cortometraje de animación experimental “Amok”. Estuvimos 2 años trabajando en él hasta que nos decidimos a mandarlo a festivales.  Fue nuestro primer trabajo juntas y nos produjo un desgaste importante, pero nos dio las ganas y la confianza para dedicarnos a esto.

Nuestra estética se ha ido transformando con el paso del tiempo. Al principio era más pop y directa y ahora se ha vuelto más reflexiva, aunque hemos querido mantener ese toque pop de cultura contemporánea con el cuál nos sentimos muy identificadas.

¿Cómo se siente una cuando dice: Eh, papá, voy a ser artista. ¿Sucedió así? ¿Cómo afrontasteis la situación?

Hahahaha!! Bueno, aún a día de hoy nos da la sensación como que la gente a nuestro alrededor no acaba de ver el arte como un trabajo. Estamos de acuerdo en que no es un trabajo al uso, pero no por ello deja de serlo.

Nunca llegamos a decir eso a nuestros padres pero hubo un punto de inflexión en ello. Nosotras estudiábamos Psicología y Filosofía respectivamente en la UAB. Nos tocó vivir el momento de manifestaciones en contra de la reforma que el gobierno pretendía llevar a cabo en el sistema universitario y eso hacía que nunca se llevaran a cabo las clases con normalidad.

Ese momento fue el que aprovechamos para hacer lo que realmente nos gustaba, y fructificó en forma de un cortometraje (Amok). Fue algo casi casual, aunque siempre nos había llamado la atención todo lo relacionado con la creación. Hay algo mágico en ello, es algo difícil de explicar; sientes que puedes ser tu mismo.

Vuestras influencias provienen del mundo del cómic, la cultura callejera, el surrealismo pop, ¿Cómo se definen en vuestra obra?

Sí. Hay una influencia directa de nuestros gustos personales y de todas aquellas cosas que nos han visto crecer y que a día de hoy son parte de nuestro día a día.

Como hemos dicho anteriormente, nuestro trabajo ha ido evolucionando desde que empezamos hasta ahora, en busca de nuestro sello.

En los inicios, cuando decidimos que la mujer sería la base de nuestro trabajo, nos preocupaba un poco poder conectar con cada una de ellas sin llegar a repetir lo mismo una y otra vez. No queríamos que se viera como algo bonito y ya está, sino mucho más que eso, y éste es nuestro debate cada vez que comenzamos una nueva pieza.

Nos obsesiona el poder ahondar en la naturaleza humana; crear contraposiciones. Es importante para nosotras que el espectador al ver la pieza se quede un poco “descolocado”.

Es verdad que tanto en las facciones de nuestras chicas como en los elementos que acompañan a éstas, solemos poner mucha iconografía religiosa y personajes de la cultura pop entre otros, pero no están puestos al azar. Para nosotras es vital encontrar un punto de partida, una base sobre la cual dialogar y crear.

¿Cómo os planteáis vuestro trabajo en común?

A estas alturas no hace falta organizar mucho lo que debe hacer cada una. Trabajamos juntas desde que comenzamos a crear, así que nos conocemos a la perfección. Somos conscientes de los puntos fuertes de una y de la otra e intentamos aprovecharlos.

Hemos aprendido mucho la una de la otra en este tiempo y seguimos haciéndolo a diario. Es importante poder decir lo que te gusta y sin entorpecer el resultado.

¿Qué os une y qué os diferencia?  

Nos une la inquietud, la ilusión y las ganas de ser cada día mejores. No nos asustan los retos y creemos en nosotras al 100%. Nuestro carácter es muy diferente, somos opuestas, pero a la vez nuestra manera de pensar es muy similar.

¿Qué aporta Jessica y que aporta Carla a CRAJES?

Jessica es más impulsiva a nivel conceptual, y más reflexiva y paciente en la práctica, pintando. Carla es lo contrario, es más reflexiva conceptualmente y más impulsiva creando.

Es por eso que solemos trabajar óleo y tinta. Es una manera de auto-representación en la obra.

¿Qué refleja y que no refleja vuestro alter ego de Carla y Jessica?

Nuestro trabajo refleja lo que somos nosotras a nivel emocional, nuestras preocupaciones, nuestros sentimientos, intereses, experiencias…  Para nosotras es una manera de desahogarnos, como una especie de psicólogo.

Como siempre decimos, hay una gran carga personal en nuestro trabajo y eso hace que cada pieza sea especial.

Diferentes técnicas (tinta, óleo, muros) y contextos para un mensaje. ¿Qué es más importante para vosotras, el qué o el cómo de vuestra obra?

Te diría que claramente el ‘qué’; nuestra manera de trabajar tiene una base muy meditada, consta de muchos detalles que tienen un significado tanto a nivel individual como a nivel colectivo dentro de la pieza, y así cada obra que forma una exposición.

Para nosotras es imposible crear sin una base previa sobre la que hayamos pensado y debatido. Generalmente partimos de preocupaciones, miedos, obsesiones… y vamos tejiendo un mensaje que intentamos que deje libertad a los espectadores.

Aún así, el ‘cómo’ también es importante ya que estamos muy obsesionadas con el detalle y con el hecho de que la pieza se vea como la tenemos pensada. La técnica es importante y tiene que ver con el ‘qué’ . Las piezas que hacemos en tinta las hacemos por un motivo. Generalmente tienen más detalle, historias dentro de otras, son más libres. En cambio, los óleos son más íntimos y delicados.

¿Cómo y qué queréis transmitir en vuestro trabajo?

Es difícil contestar algo específico a esta pregunta. Creamos a partir de sentimientos que transformamos en imágenes estáticas y eso, en ocasiones, nos resulta complicado. Es como si cogieras un frame de un corto o una película y con ese instante pudieras entender lo que su director pretende decir o lo que el personaje esta sintiendo.

Eso es lo que nosotras intentamos. Hacer que una imagen estática te envuelva, te haga sentir algo, da igual el qué, pero que no te deje indiferente.

Reivindicáis la figura de la mujer en vuestra obra, es un tema recurrente: doliente, en deconstrucción, a veces desnuda, mostrando el esqueleto. ¿Qué esconde? ¿Qué tipo de mujer queréis mostrar?

No creemos en los tipos de mujer. Los estereotipos han hecho mucho daño a la mujer a nivel individual y a la sociedad en general.

Miramos a las mujeres como personas individuales y no como colectivos. Nuestro debate no es cómo se debería ver a la mujer en un contexto social o que lugares ocupa en él (aunque es algo que como mujeres nos preocupa y nos afecta en el día a día, así que sin quererlo también está presente). Nos basamos más en emociones, sujetos, estados mentales, traumas, psicosis, aspectos más íntimos e inexplorados.

Esconde lo que todos escondemos, eso lo hace más interesante.

¿Os sentís parte de alguna corriente artística actual?

La verdad es que no lo consideramos. No nos queremos etiquetar como nada ya que nuestros espejos se encuentran en corrientes muy distintas entre sí, y en el día a día.

¿Qué pensáis que aportáis al mundo artístico?

Esta pregunta no nos corresponde a nosotras contestarla. No podríamos ser objetivas.

¿Cuáles son vuestros objetivos a medio y largo plazo?

Mirar siempre el futuro con ilusión y ganas de mejorar. Nuestra próxima exposición individual es en Münster; ahora estamos muy centradas en ella ya que nos encontramos en el momento crítico de creación: sentando las bases del cómo y el qué.  Esto nos permite pensar muy a largo plazo. Aún así, está claro que nos gustaría seguir exponiendo, y comenzar a tratar con la porcelana que es un material que nos gusta mucho y ya hemos usado en alguna ocasión.

La temática de WeArt Festival 2014 es el ‘ego’ y vosotras habéis creado la imagen. Primero me gustaría saber ¿Qué es ego para CRAJES? ¿Cómo se representa el ego en vuestra obra?

La pieza que hemos creado como imagen se llama “Sum”, que significa existir, ser. Nuestras piezas reflejan realidades individuales creadas a partir de una premisa común y está es el cuestionamiento del ser humano como ser piadoso y bondadoso por naturaleza. Hay una frase del cuento El gato negro de E.A. Poe que te introduce “el espíritu de la perversidad” como algo latente en el ser humano. Es algo que desde el minuto uno nos atrapó, y que ha estado presente en todo nuestro trabajo.

Nos interesa el individuo de manera más introspectiva. El funcionamiento de la mente humana y lo que en ella se esconde tratando siempre dualidades.

No se si hemos acabado de explicarlo bien pero lo hemos intentado 🙂

Para acabar, en la imagen de esta edición siento belleza, pasión y picardía pero a la vez me transmite turbación y fragilidad ¿Qué representa para vosotras la imagen que habéis creado para WeArt Festival?

Cuando nos dijisteis el tema nos pareció que nos costaría plasmar “ego” porque lo hacemos en todas nuestras piezas, así que nos decidimos a crear una pieza enfocada en el “autoconsumo” para plasmar “ego”. Es decir, como un individuo se consume en esencia para llegar a ser un muñeco de trapo dentro de un sistema lleno de muñecos rotos, donde todo ha pasado a ser menospreciado.

 Y para terminar unas preguntas que nos permitan conoceros mejor…

¿Un sueño por realizar? Seguir siendo felices

¿Una ciudad para soñar? Cualquier ciudad si estás con la compañía adecuada.

¿Una pregunta para cuestionar? “El mayor crimen está ahora, no en los que matan, sino en los que dejan matar”. Ortega y Gasset

¿Un ideal para perseguir? La perfección (o intentarlo)

¿Una obra para admirar? The execution of Lady Jane Grey de Paul Delaroche.

¿Una obra pendiente de hacer? Todas las de nuestra próxima exposición

¿Un universo para compartir? El de Crajes 😉

Texto: Aina Ruiz
Fotografías: Anna Roig

 

Crajes - WeArt Festival 2014

Crajes - WeArt Festival 2014

Crajes - WeArt Festival 2014

Crajes - WeArt Festival 2014

Crajes - WeArt Festival 2014